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viernes, 16 de septiembre de 2011

Arte Madrid 2011

 

Llueve el arte en Madrid, llega ArteMadrid 2011

  
ArteMadrid 2011. Arte contempóraneo en Madrid.
 
 
 
ArteMadrid 2011. Arte contempóraneo en Madrid.Cristina Silván. Galería Astarté
Las 46 galerías de la capital que conforman la asociación Artemadrid presentan el programa "Apertura 2011" con actividades gratuitas que harán deleitar los sentidos de los aficionados a todo tipo de expresión artística.
Madrid es también un punto de referencia crucial para los que gustan del arte. Los museos más importantes, así como las galerías más influyentes se reúnen en la capital española. Es por ello que desde este jueves y hasta el sábado, obras de artistas reconocidos, tanto actuales como de antaño, que abarcan desde la pintura, hasta la fotografía pasando por la escultura pretenden hacer vibrar a los que se encuentren por la ciudad. Y es que la asociación ArteMadrid abre las 46 galerías que la conforman de forma gratuita para poder disfrutar de las creaciones.
Alrededor de 50 exposiciones de arte contemporáneo, que llega de la mano de artistas individuales como colectivos del ámbito nacional como internacional y con diversos estilos. Un evento que marca el inicio de temporada en este mundo y que promete no defraudar. Se trata, por tanto, del arranque de la temporada y del comienzo de un año escolar que, a pesar de la crisis, promete capear el temporal durante el resto de 2011 y comienzo de 2012.
La idea es hacer el arte cercano, disponible para el ciudadano de a pie, y desarraigarlo de los círculos en los que generalmente está inmerso. Para ello, la iniciativa pretende abrir simultáneamente 46 galerías de la capital qe se podrán consultar en la web www.artemadrid.com.
En este arranque de calendario destacan, por ejemplo, exposiciones como las de Esteban Vicente en Elvira González, Axel Hütte en Helga de Alvear, Adriana Molder en Oliva Arauna, Sofía Jack en Fúcares, Julian Schnabel en Soledad Lorenzo o Manuel Pérez en BAT Alberto Cornejo.
España, capital del arteEspaña se ha convertido en capital del arte mundial en los últimos tiempos. Museos de renombre internacional como el Guggenheim de Bilbao, Reina Sofía, El Prado o el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona avalan a nuestro país y lo sitúan a la vanguardia del arte. Entre las últimas exposiciones que han enamorado a los aficionados ha estado la de Antonio López, que recoge actualmente el Museo Thyssen-Bornemisza. Una colección única que recoge 130 obras que ha elegido el propio Antonio López, entre dibujos, pinturas y esculturas, de las más antiguas a algunas nunca expuestas.
 

domingo, 11 de septiembre de 2011

Alejandra Toledano. Profesora de canto. Cantante ...........Artistaaaaaaaaaaa................Mi hermana!!!!!!!!!!!!!!

Esta mañana estaré colaborando en canal Sur Radio en el programa de Mariló Maldonado "La calle de enmedio".. Aqui dejo el Face del programa y los linkns de la radio on line y diales de radio normal :)) ♪♫♪
Servicio Público
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Pintando Rosas.............ummmmmmmmmm que delicia

Como amo los acrilicos

Pinturas Acrílicas
Los acrílicos son pinturas cuya base aglutinante es el látex.

Ventajas:
  • Secado rápido.
  • Se limpia con agua y jabón. No deja olor. Comodidad en el trabajo.
  • Buen color y calidad, aunque esto dependerá del acrílico que utilicemos y es una cuestión de gustos, deseos y necesidades.
  • Se puede acabar/ trabajar como mate o brillo.
  • Variedad de soportes. Mucha capacidad de mezcla con collage y técnicas mixtas. Esto es gracias a que el látex sirve para pegar elementos, crear texturas, etc. y sobre él si que se puede pintar también con otras pinturas grasas.
Desventajas:
  • El mismo secado rápido puede ser un inconveniente, para retardarlo hay que usar líquido “Retardador”.
  • Puede estropear mucho los pinceles si no se tiene cuidado puesto que la pintura se seca rápido y el látex una vez endurecido cuesta de limpiar.
  • Para hacer transparencias hay que usar un líquido “Transparentizador”.
  • Para hacer efectos, empastes /impastos y veladuras se puede usar un “Gel acrílico”.
  • Mayor riesgo de cuarteado en el cuadro sobretodo si se utiliza agua.
Se aconseja utilizar en el mismo cuadro la misma marca / tipo de acrílicos para evitar reacciones químicas que puedan estropear la pintura con el paso del tiempo.
Para diluir los acrílicos comprados se aconseja también utilizar “Fluidificadores” que son también acrílicos, en vez de agua, para que el acrílico permanezca estable.
El acrílico es una pintura gracias a la cual una persona puede pintar en la habitación de una casa sin apestar de olor el resto de la casa. Y se podrá pintar en el formato, técnica, modo que se desee puesto que aporta mucha libertar y es un medio que tiene gran capacidad.
Se puede pintar de muy diversas maneras utilizando; pulverizadores, esponjas, espátulas, rasquetas, rodillos, barnices, etc.
Se pueden hacer los acrílicos con látex y pigmento en polvo.
Hay una gran variedad de acrílicos a la venta. Venden desde acrílicos de tamaño industrial de gran formato, ideal para gastar mucha pintura. Hasta acrílicos con colores especiales y de calidad excelente

viernes, 9 de septiembre de 2011

Algunos trucos interesantes by Gilda Mora

Algunos consejos
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PARA LOS JOVENES ARTISTAS QUE COMIENZAN:

Si nos detenemos un poco a estudiar la historia del arte, no para mirar la obra de los artistas sino para conocer en lo posible como pintaban y con que facilidades contaban, entenderemos el presente y no nos mortificará tanto:
La mayoría de artistas hasta el siglo XIX tenian el apoyo de grandes mecenas, el arte era un buen asunto, muchos ayudantes, materiales, comida y casa asegurada, mucho mimo y el tiempo que se necesitara para terminar la obra, esta por lo general se hacia con varios pintores, unos pintaban fondos, otros vegetación, ropajes, etc. Se dice que Rubens tenia más de 100 pintores a su mando en algún momento, en conclusión el taller de un maestro era un Imperio.
El artista de hoy pinta en solitario, ¿quien patrocina? Uno que otro Dealer y se dice que son muy escasos, (no conozco a ninguno de los que supuestamente existen). Las empresa grandes, chicas, y los gobiernos en general patrocinan deporte, ciencia, en contados casos la música (los que tienes sinfónicas), recreacionistas, cuenteros, habladores, etc. pero jamás artistas, no conozco al menos en mi país ningún pintor que tenga una mensualidad del estado o de la empresa publica o privada para vivir y que se pueda dedicar a pintar, unas y otros tienen algunas salas de exposición pero el artista que llega a ellas casi siempre lo hace con la condición de donar una obra para el supuesto museo de la misma, que buen negocio por 20 días de muestra y en pocos casos un catálogo de regular factura, lo mismo ocurre con salones oficiales y privados donde los premios y menciones son de adquisición, nada es gratis para nosotros, lo único que nos queda de satisfacción y muy entre comillas podemos llamarla así, es que la obra es “libre” nadie la condiciona, ¿y es tan bueno eso?. Que cada uno se de la respuesta después de leer lo que encontrarán más adelante.
Lo que si tenemos y hoy por hoy queremos negar es la facilidad de pintar, se pintaba con velas, se pintaba con modelos, se pintaba del natural, pero esos modelos se cansaban, un atardecer era fugaz y la mente no alcanzaba a retenerlo, hoy tenemos los momentos y la belleza que se da solo un segundo, en una fotografía, no solo la que a bien podamos tomar, sino la de tanta gente que estuvo en el lugar preciso, vio, sintió, y capturó ese momento mágico, lo enseña, ofrece, y nosotros interpretamos o reproducimos en nuestra obra.
Hay quería llegar: son tantos los burritos que dicen pintar como los antiguos, solo de la imaginación, dibujar y borronear mal para según ellos llamarse artistas verdaderos y no es así, todo lo que pueda facilitar la labor se traduce en estar en el siglo que se vive, ¿porque hacer un mal dibujo si existe la cuadricula? ¿Acaso no son legado de Leonardo, Velásquez y todos los clásicos?, ¿porque negamos la fotografía? Una vez en el taller de un cretino que sabia que yo iba de visita me recibió con modelo empelota y tenia el proyector escondido debajo de un asiento, yo siempre supe con que trabajaba y él siempre lo negaba, la modelo que consiguió para mostrarme no era ni parecida al cuadro montado, otro tenia bodegón armado y se le estaba pudriendo, así mismo vemos en tanto foro y conversación negar el adelanto de la era.
Yo me pregunto: ¿porque no superamos la obra que se encuentra consagrada en los museos?, ¿Con tanta facilidad en materiales preparados y seguros con que contamos pinceles y lienzos especiales?.
Porque no es decir y hacer, !No Es Fácil!, No es para todo el mundo, no es querer y poder. Aparte de eso es un solo artista el que pinta y hay que agarrarse a los adelantos, a todo lo que nos brinde la ciencia y tecnologia, yo por lo pronto en materia de pintura aunque tenga tantos años encima estoy tratando de entrar al mundo digital para elaborar mejor mi obra y sé que si logro terminar de entender y meter en mi vieja cabeza esta joven tecnología, creceré y mi obra también.
Los años que tengo (los ven en foto y los de labor que pueden conocer en esta sección) me permiten hablar a ustedes que son los jóvenes valores que empiezan en la lucha para que no se dejen llevar por la moda que maneja esas armas del facilismo, tan cómodas y convenientes para el que quiere ”pintar” un cuadro en pocas horas y un cuadro lleva al menos 200 de labor.
Y muy pero muy en especial me dirijo a tanto artista natural que siguió otra profesión y en el ocaso de su vida aún quiere hacer y sobre toda dar, para eso nació, pero no sabe por donde empezar, es el caso de tanto Cirujano, Arquitecto, Odontólogo etc , o mujeres especiales que la vida convirtió en amas de casa, personalmente siento que la edad para hacer arte es la madura y entre más madura mejor, el ser está completo y no creo que amerite más explicación esta condición de la vejez.
Por eso veremos y para ellos cosas muy básicas de la pintura como es la paleta y la cuadrícula.
cuadricula
Para sustentar todo lo dicho y darles mi aporte, comienzo diciendo a ustedes como he trabajado hasta el momento.
Detalle de la cuadrícula sobre el lienzo
En mi caballete el principio de un cuadro usando en la composición la Vénus frígida de Rubens, ustedes alcanzan a notar en la imagen del detalle sobre el rojo la cuadrícula, yo dibujo con lápiz pastel y jamás con grafito pues este no se pierde y mancha el óleo, sobre todo al pasar los años sin importar cuantas capas tenga encima se sobrenada a todas.
Jamás he usado disolventes como la trementina o el aguarrás, uso el color como viene del tubo. Hace unos años ensayé los oleos diluibles en agua y hoy no los cambio por nada, no para diluir sino por su suavidad, corren que es una belleza y al difuminar y empatar tonos es que se nota la diferencia con el normal, uso el Artisan que es el nombre que les puso la Winsor y la Grumbacher los llama Max2.
Tengo siempre montados unos 6 cuadros que trabajo al tiempo y eso me permite dejar secar cada veladura, darle los días que requiera y también castigar al que no está saliendo bien, eso lo hago volteándolo y no volviendo a mirarlo por lo menos una semana, dos es mejor, cuando lo volteamos después de ese tiempo enseguida encontramos el problema y lo que no nos gustaba, que pasa, pasa, como anécdota una vez tenia un cuadro de una mano en perspectiva que había empezado con dibujo libre en formato grande casi terminado, yo sabia que algo estaba mal y me molestaba mucho por lo que lo tenia muy castigado, puedo decir que lo mostré en un espacio de 6 meses a 5 pintores buenos y les decía que algo estaba mal y que no iba a poder terminarlo, todos decían que lo veían bien, yo lo volvía a su rincón hasta que un día lo destapé vi que era lo que me molestaba, tenia 6 dedos, de esas nos pasan cada rato o por lo menos a mi sí, y no me da pena decirlo, por eso es que la cuadrícula es bendita.
Son tantas las personas que dicen como me gustaría pintar pero no se dibujar y este problema se solucionó hace muuuchooooos años, todos los clásicos la usaron y algunos tenian un gran cristal cuadriculado para interponer al modelo.
Pero hoy lo suplimos con la fotografía y el acetato.
El uso de la cuadrícula en la pintura se data (oficialmente) en el siglo XV.
Con sorpresa vemos que el siglo XX convirtío a esta herramienta en el súper, súper tabú de escuelas y maestros de arte. Se condenó y condena su uso ¿Por qué? Porque se quería masificar el arte y dar cabida a distintas expresiones.
Con seguir negando este recurso en las escuelas de arte se castran las futuras generaciones de artistas y los obliga a seguir las tendencias vanguardistas; se les niega el legado de los grandes maestros del Renacimiento. Se dice que Velásquez tenía su cuadrícula dibujada en un gigantesco cristal de roca y sus modelos colocados atrás de ella, lo mismo se dice de Goya.
Pueden encontrar en el Link de la siguiente imagen (ojo a la fecha en que fue inventada la ventana de Alberti), la información de que existieron aún más complicados artificios para perfeccionar el dibujo desde tiempos muy lejanos.
Modelo cuadrícula
Imagen de : www.profes.net/rep_documentos/Monograf/ventana_leonardo.pdf#search="leonardo davinci cuadricula"

Para hacer la cuadrícula

Es muy importante sacar en una fotocopiadora sobre acetato distintas cuadrículas de 0.5, 1, 1.5 centímetros. Se ponen estas cuadrículas en acetato arriba de las fotografías y sobre todo libros, así se preservan sin manchar las imágenes que queremos usar de base.
El paso siguiente es muy sencillo: Tenemos la más cómoda que es de 1 centímetro en el acetato y la colocamos sobre la imagen sujeta con ganchos o cinta, depende de lo que tengamos que proteger y contamos los cuadritos que ocupa la flor o figura que vamos a reproducir dentro del cuadro. El paso siguiente es definir sobre el lienzo el tamaño que va tener nuestro motivo, marcamos un cuadrado o rectángulo y tomamos la medida: la flor va a tener 60 X 70 centímetros dentro de un lienzo de 140 X100, tenemos pues la medida de 60 X70 que hemos decidido, con la cuadrícula de acetato sobre la foto ya tenemos contados los cuadritos y son 7 para dar un ejemplo, dividimos 60 por 7 y nos da 8.57 centímetros.
Marcamos con regla sobre el lienzo las líneas de guía cada 8.57 centímetros recordando usar lápiz pastel. Es grato usarlo pues podemos hacer la cuadrícula con un color e ir siguiendo el dibujo con otro para no confundirnos, para proteger este dibujo y no se nos borre por lo frágil del pastel, es bueno repintarlo con un poco de acuarela que seca rápido y va a recibir bien al óleo del tono de la flor o figura, después de seco con borrador quitar las líneas de cuadrícula por si tenemos que hacer otra. Un ejemplo serían las ramas y paisaje de fondo, o si usamos figura humana rodeada de objetos hacemos lo mismo con cada uno hasta completar el dibujo.
Espero haber sido clara. ¿El uso de proyector para mí? No me gusta para nada, mucho enredo y pobre resultado.
Hoy tengo computadora, me deleito mirando fotografías, bajando y dando gracias en mi mente al viajero que la tomó y sobre todo que nos la ofreció en la red, uso la pantalla con cuadrícula y puedo ampliar detalles, resolver color y elaborar la paleta sin errores, qué lujo el día de hoy que vivimos.
La cuadricula sobre el boceto
El siglo XXl nos inicia con la facilidad de poder hacer un boceto digital para elaborar un cuadro al óleo de caracter hiperrealista y es hasta el momento, según mi parecer, el más grande regalo que le han dado la ciencia y tecnología al arte.
Ya vimos como pintaron los antiguos y como pintan aún infinidad de artistas, también vimos que el utilizar recursos tan simples como la fotografía o el proyector es para algunos top secret y se convierte en algo así como una fórmula de alquimista que se niegan a enseñar hasta la muerte, cueste lo que les cueste.
El día de hoy con casi 50 años de trabajar con las técnicas que me fueron brindando las distintas décadas, digo lo mismo que decía en los años 60: Qué tristeza que Leonardo, Velásquez, Goya, etc. no contaron con la AYUDA DE LA FOTOGRAFÍA.
Ahora agrego: Qué tristeza que Dalí no alcanzó a trabajar con el ordenador.
Salvador Dalí a mi parecer fue el más grande de los últimos maestros que aprovechó hasta el máximo la fotografía, fue su obra la que me estimuló a usarla como la principal herramienta de trabajo e inspiración.
Qué tristeza siento por mí misma cuando pienso en los años que tengo y los que pasé sin conocer de este recurso, nuevo, muy nuevo para mí.
Los pintores del siglo XXl podemos minimizar con la ayuda de la tecnología digital la calamidad que se llama pomposamente arte moderno y que existe a mi parecer por lo errado de las escuelas recalcitrantes que exigieron extenuantes horas y horas de dibujo como ocurrió en mi caso, cuando ya no eran necesarias al existir la fotografía, que no se nos permitía ni siquiera nombrar.
Consecuencia: Las deserciones en masa que se evitaron con la tabla salvadora del "Arte Moderno" o "libre" inventada en medianía del siglo XX, con distintos profesores para las diferentes categorías o escuelas que nos fueron en mi tiempo embutidas a la fuerza sin tener nuestra aptitud nada que ver con ellas, los nombres de estas escuelas son conocidos de todos y muchas también se pueden beneficiar y benefician con la tecnología digital.
Son varios los programas que existen para dibujar y retoque fotográfico, en la red foros y páginas nos enseñan a manejarlos, con todos esos programas podemos hacer nuestro boceto sin dificultad, ¿qué ganamos
Bondades de la tecnología para elaborar un boceto digital
El sistema digital nos brinda: Color ilimitado, intensidad lo mismo, borrador a discreción, la escala de los distintos elementos dentro de la composición se puede manipular sin restricciones, tiempo, mucho tiempo para mirar la obra y hacer las modificaciones que nuestro ánimo mande, mirar el efecto y poder echar atrás.
Diferencias con el sistema tradicional:
En el sistema tradicional el color no se puede controlar a satisfacción, es importante recordar que el color varía por efecto de la suma de los colores adyacentes y los del entorno, la intensidad del mismo se debe ir cambiando mano a mano para integrarlo a los demás, el borrar o reparar una línea o tamaño de un objeto que no nos agrade es casi la muerte de rabía o angustia del pintor, para evitarla elegimos la del cuadro. Puedo decir sin vergüenza que en la gran mayoría de mis obras siempre hay uno o más elementos que hubiera querido poder modificar.
Hoy quiero decir a ustedes que una de las mayores ganancias de la tecnología digital es poder tener desarrollados muchos bocetos que se aproximen a la obra final sin haberla pintado sobre un lienzo, que se puedan desarrollar varios temas y cuando nos enfrentamos al lienzo en blanco está la mente llena de seguridad en lo que vamos a plasmar, otra ganancia es mucho tiempo que podemos ahorrar, esas horas perdidas que se dedican a solucionar los problemas sobre el lienzo y que elimina el uso del ordenador son muchas.
Creo de corazón que para un futuro no lejano el espectador, amigo, o posible cliente de nuestra obra podrá ser al fin el equivalente al mecenas de la antigüedad; este alertaba, recomendaba o exigía del pintor completar algunos detalles que por cansancio, hastío o pereza deja pasar, o no quería pintar.
También se pueda como antes elaborar la obra que sueña para si quien no la pueda realizar, pero si pagar.
Podemos el día de hoy presentar a un cliente o a un galerista al que se le requiera algo en particular, un boceto virtual y él o ellos decidir los cambios que los llenen en composición y color, que nuestro cuadro sea de la entera satisfacción de quien lo adquiera debe ser el mayor deseo del artista y ahora lo podemos cumplir.
La satisfacción del comprador de nuestro cuadro debe ser igual a la que tuvieron los antiguos mecenas que muy comprometidos con su labor como nos cuenta la Historia del Arte Universal, encargaron y dirigieron con mucho amor toda las grandes obras que hoy admiramos, jamás decidieron solos la composición de sus obras Miguel Ánguel, Leonardo, Rafael, Velásquez, Rubens, etc. antes de que el arte fuera la libre expresión de una sola persona, si se producían obras maestras.
Pinta el que puede pintar y no importa como
Con las manos, la boca o los pies si fuera necesario, (Casos hemos visto y con excelente obra en muchos), usando como pincel los dedos, servilletas, plumas, lo que interesa es el resultado. Cuando este está expuesto no importa como se hizo, este tema solo es competencia de los restauradores que sí se quiebran la cabeza cuando se enfrentan a como y conque se elaboró la obra maestra a recuperar, jamás afectó a la obra de arte cual fue el rostro, edad o tamaño en grosor o en alto de los maestros que nos legaron la obra inmortal , ni cuantos intervinieron con su maestria para que hoy la podamos contemplar.
El siglo XX rompió ese esquema milenario, el gran pecado de Dalí es que su ego no soportó ser relegado por su obra, todos tenemos en la retina esos enormes mostachos que opacan la maravilla que nos dejó lo que estaba atrás de ellos.
No es grande su pintura por ser de un hombre con mostachos, a nadie le importa que se ejecutara ayudado por otros pintores, es grande en su concepción, pero él sabía que no sería nada sin la labor, aún con sus mostachos, excentricidad y que su época mandara la línea y mancha como la gran revolución, no tragó cuento.
Hay está la cuestión, puede una obra dejar a un lado el concepto si tiene labor. ¿Pero importa este cuando la labor esta ausente?. Si acaso para mirar de paso y es lo que ocurre con las ruidosas muestras del arte actual, que nadie quiere, son solo espuma.
Como todos desean asistir al espectáculo del cóctel, subsiste, lo cruel de la cuestión es que si en este se encuentra algún comprador se lo lleva a la trastienda a mostrarle el arte de los realistas y de su venta vive el galerista.
Quiero desde este artículo rebatir a los que pretenden demeritar a la pintura Hiperrealista, al fotorealismo o como quieran llamar la labor pictórica que usa la fotografía de modelo.
Ese bla, bla, bla, evidencia no saber lo que es tener un pincel en las manos y cuanto pesa al que no lo sabe usar, si alguno trató de reproducir una imagen con un pobre resultado todo lo que le queda es hacer manchas y despotricar contra la labor dispendiosa de los que tratamos de remedar con la mayor fidelidad que nos sea posible a la madre naturaleza en su infinita diversidad y escarmentar que:
Pinta el que puede pintar
¿Como?
Como pintaron los antiguos, con un modelo.
¿Que es una foto? Un modelo, que no se cansa, no altera el color al cambio de luz, no se pudre, la cuadrícula fue por siglos una herramienta y el ordenador es la más completa hasta el momento.
La diferencia entre una foto y un cuadro al óleo es tan grande como la de la luz y la sombra. Gilda Mora
Veamos ahora:
Algo de la técnica de los maestros para lograr una buena pintura, que no se debe olvidar.
LAS VELADURAS:
La veladura final de un cuadro es lo más importante del mismo pues es la que da la atmósfera y lo unifica, al mirar con cuidado las obras clásicas verán el color preferido de cada maestro para sus veladuras finales, una gran mayoría de pintores como Canaleto, uso turquesa y violeta que notarán poniendo mucha atención y percibirán que todo el cuadro tiene la atmósfera de ese tono superpuesta a los demás colores, Guardi un azul verdoso o turquesas, el Greco azules oscuros y hay rojos espectaculares en Velásquez, amarillos y verdes, también los encontramos en Murillo, Ticiano, y Goya, verán como retiraron de algunas partes del cuadro e intensificaron en otras la veladura, mirar mucho que solo así se aprende, recordar que en los ojos está el 90 % de lo que es llamado el don del pintor y las manos son el instrumento de ellos.
Para dar veladuras y selle final del cuadro tengo de siempre una formula que jamás cambiaré por ningún barniz y es agregar al aceite de linaza cera de abeja (blanca), a fuego lento dar una contextura gruesa pero que la extienda la brocha, esto lo sabemos enfriando unas gotas sobre una superficie fría, tener cuidado de revolver mucho al ir enfriando toda la mezcla para que se haga bien la crema que queda blanquecina, si se deja enfriar sola sin revolver no amalgama bien, demora en secar después de aplicarla pero deja un acabado mate muy hermoso, es de ensayar cada uno bajo su responsabilidad y sobre todo tener en cuenta que hay que hacer muchas pruebas y contar con darle tiempo, yo sello con dos capas de mi mezcla sin ningún color despues de que tengo seca la veladura final.
Yo uso mucho la amarilla, alizarin y verde sapo, en la figura humana trabajo sobre tonos muy rosados y doy una veladura final con verde sapo, es espectacular el tono de piel que se logra, para hacer la veladura uso mi mezcla con un poco de color y la paso a todo el cuadro, muchos pintores usan diluir el color en aceite y pasar sobando mucho pero el aceite solo se chorrea por más que se retire el exceso y hay que dejar secar el cuadro sobre el piso, evitar le caigan polvo o motitas etc, por eso amo mi mezcla
Asi y todo este proceso es delicado y algunas veces hacemos daños pues se nos va la mano en la cantidad de color, si echamos poquito no hacemos nada, así que ensayar en una esquina y agregar color o mezcla hasta dar el tono ideal, después de seca hay que retocar claros y oscuros para hacer resaltes, o estando fresca ir con un pincel o trapo sacando un poco, se puede dar en todo o parte del cuadro, dar otra después en otro tono, probar y probar hasta manejarlas,

LA PALETA

Para los que necesiten empezar de ceros en la red pueden ver: teoría del color
En este aparte me parece conveniente dar el color de piel que yo utilizo: es con ocre, alizarin y blanco, no uso verdes que muchos artistas incluyen en su paleta piel pues termino con la veladura verde sapo que he comentado. Para los que trabajen directo pueden agregar un poco de este tono.
Evitar en lo posible hacer mezclas con el azul de prusia pues degenera con el tiempo como si oxidara los otros tonos y deja una coloración negrusca muy desagradable, pero con prusia y alizarin se consigue un negro espectacular muy firme

TRUQUITOS Y MATERIALES QUE ME HAN DEJADO LOS AÑOS DE LABOR

PARA CONSERVAR LOS ÓLEOS

oleos
Mi cabellete con el cuadro y  la paleta
Después de mezclar los colores que integran la paleta de un cuadro, procedo a envasar en jeringas, tengo algunas con más de 10 años y está mejor conservado el óleo que en el tubo original, pero lo más importante es que no importa cuanto tiempo tengamos el cuadro en receso, siempre que lo retomemos tenemos el color con el que estábamos trabajando si conservamos aparte las jeringas usadas en él.
Como ven en el cajón de mi caballete están alineadas las que estoy utilizando en el cuadro que está montado, cuando requiero dejarlo secar y descansar yo se las amarro al bastidor colgadas a uno de los tensores de la parte de atrás dentro de una bolsita de plástico
llenadocierre
Llenado de la jeringa: Fusione muy bien los colores y proceda a llenar, preparo unos 7 centímetros por color y me alcanza muy bien para los formatos medios en jeringas de 10 centímetros, para fondos es mejor tener jeringas de 20 centímetros y para pequeños formatos de 5 y menos
Tenga especial cuidado al entrar el émbolo pues debe hacerlo despacio para que el óleo vaya empujando y sacando el aire de la jeringa, proceda después a poner la aguja con su tapa que son las que sellan y sirve la aguja para retirar cualquier dureza que se forme en la punta de la jeringa que es por donde sale el óleo, podemos en ella encontrar un poco seco el óleo en el acceso de salida si se nos quedo mal ajustadas la aguja y tapa como nos ocurre con el tubo normal y pasó mucho tiempo sin usarlo, recomiendo las jeringas sin caucho en el émbolo, son mejores pues se pueden seguir llenando, las que tienen el caucho cuando se retira el émbolo se queda adentro y se tienen que desechar.
Cuando damos por terminado un cuadro los sobrantes de esa paleta se sacan de la jeringa y se mezclan con más color para dar los otros tonos del proximo cuadro
LOS PINCELES
Cuando los pinceles ya han aprendido a pintar y estamos bien enseñados con ellos se nos acaban, esto es aparente pues ellos tienen adentro el mismo largo del metal en pelo o fibra, lo que hay que hacer para volver a tener el pincel nuevo es cortar un poquito del metal, el corte se debe de hacer de acuerdo al largo que tengamos en el momento, si esta muy corto empezar con 3 milímetros a ver como queda
sierracorte
Con una sierra fina o una segueta pero martillando las puntitas para que no muerda tanto, hacer una línea sobre el metal pero sin llegar al pelo, ir segueteando alrededor de todo el pincel y que quede bien marcado para que sirva de guía al corte.
Tomar unas tijeritas viejas de cortar uñas o de las más pequeñas de cutícula hacer un corte hasta llegar a la marca de la segueta y después se tira con poca fuerza del metal y va desprendiendo parejo por la guía hecha con la segueta, que disfruten sus pinceles renovados como yo lo hago con los mío.

Formula para Crecer

Por Pilar Sordo


Mi percepción a medida que envejezco es que no hay años malos. Hay años de fuertes aprendizajes y otros que son como un recreo, pero malos no son. Creo firmemente que la forma en que se debería evaluar un año tendría más que ver con cuánto fuimos capaces de amar, de perdonar, de reír, de aprender cosas nuevas, de haber desafiado nuestros egos y nuestros apegos.
Por eso, no debiéramos tenerle miedo al sufrimiento ni al tan temido fracaso, porque ambos son sólo instancias de aprendizaje.
Nos cuesta mucho entender que la vida y el cómo vivirla depende de nosotros, el cómo enganchamos con las cosas que no queremos, depende sólo del cultivo de la voluntad. Si no me gusta la vida que tengo, deberé desarrollar las estrategias para cambiarla, pero está en mi voluntad el poder hacerlo. "Ser feliz es una decisión", no nos olvidemos de eso.
Entonces, con estos criterios me preguntaba qué tenía que hacer yo para poder construir un buen año 2011/2012 begin_of_the_skype_highlighting 2011/2012 end_of_the_skype_highlighting porque todos estamos en el camino de aprender todos los días a ser mejores y de entender que a esta vida vinimos a tres cosas:
-a aprender a amar
-a dejar huella
-a ser felices


En esas tres cosas debiéramos trabajar todos los días, el tema es cómo y creo que hay tres factores que ayudan en estos puntos:
1) Aprender a amar la responsabilidad como una instancia de crecimiento. El trabajo sea remunerado o no, dignifica el alma y el espíritu y nos hace bien en nuestra salud mental. En Chile el significado del cansancio es visto como algo negativo de lo cual debemos deshacernos y no cómo el privilegio de estar cansados porque eso significa que estamos entregando lo mejor de nosotros. A esta tierra vinimos a cansarnos, para dormir tenemos siglos después.
2) Valorar la libertad como una forma de vencerme a mi misma y entender que ser libre no es hacer lo que yo quiero. Quizás el 2011/2012 begin_of_the_skype_highlighting 2011/2012 end_of_the_skype_highlighting deberíamos ejercer nuestra libertad haciendo lo que debemos con placer y decir que estamos felizmente agotados y así poder amar más y mejor.
3) El tercer y último punto a cultivar durante el 2011/2012 begin_of_the_skype_highlighting 2011/2012 end_of_the_skype_highlighting es el desarrollo de la fuerza de voluntad, ese maravilloso talento de poder esperar, de postergar gratificaciones inmediatas en pos de cosas mejores. Este a mi juicio es el gran elemento a educar no sólo el 2011- 2012 sino que durante todo el siglo XXI.
Es dentro de todo este trabajo donde nos debiéramos concentrar en:
  • Sentarnos en la mesa en familia, mínimo una vez a la semana, ojala todos los días.
  • Apagar las pantallas mientras estamos comiendo, no contestar teléfonos, sentir que los únicos ruidos que se escuchan sean los de nuestras voces.
  • Hacernos cariño y tratarnos bien como país y como familia, saludarnos en los ascensores, saludar a los guardias, a los choferes de las micros, sonreír por lo menos una o varias veces al día. Querernos.
  • Crear dentro de nuestras casas, hogares. Y para eso tiene que haber olor a comida, cojines aplastados y hasta manchados, cierto desorden que acuse que ahí hay vida. Nuestras casas, independientes de los recursos, se están volviendo demasiado perfectas que parece que nadie puede vivir adentro.
  • Tengamos contacto con la naturaleza, juguemos, riamos y démonos el tiempo de compartir con los abuelos, imprimámosle las fotos para que las vean como a ellos les gusta y disfrutemos de sus sabidurías. Obliguemos a nuestros hijos a compartir con ellos, así entenderán sus historias.
  • Tratemos de crecer en lo espiritual, cualquiera sea la visión de ello. La trascendencia y el darle sentido a lo que hacemos tiene que ver con la inteligencia del nuevo siglo: la inteligencia espiritual.
  • Tratemos de dosificar la tecnología y demos paso a la conversación, a los juegos "antiguos", a los encuentros familiares, a los encuentros con amigos, dentro de casa. Valoremos la intimidad, el calor y el amor dentro de nuestras familias.

Si logramos trabajar en estos puntos y yo me comprometo a intentarlo habremos decretado ser felices, lo cual no nos exime de los problemas, pero nos hace entender que la única diferencia entre alguien feliz o no, no tiene que ver con los problemas que tengamos sino que con la ACTITUD con la cual enfrentemos lo que nos toca.
Este 2º semestre del 2011 vendrá con lo que tenga que venir, todo será necesario y maravilloso, lo bueno, lo malo, lo bonito y lo feo, acojámoslo con amor y con gratitud y con el alma abierta a todo lo que tendremos que aprender de él.

lunes, 5 de septiembre de 2011

https://www.virtualgallery.com/#/claudia_toledano_a25079/vivencias_s5756


la técnica mixta de los viejos maestros:

A partir de un sencillo retrato de la hija del panadero explicaré la antigua técnica mixta de temple al huevo y óleo. La "Mischtechnik" o "técnica mische" fue descubierta por los maestros holandeses a finales del siglo 15.
Es una técnica lenta y compleja pero da unos efectos de profundidad y transparencia y una suavidad de colores y contornos que no se realizarán con ninguna otra técnica. Hay que diferenciar entre dos pasos:
la preparación del fondo "Untermalung o underpainting"
y la pintura final.

..la hija del panadero
¡Es una breve descripción y no recomiendo a nadie empezar a trabajar esta técnica sin introducción práctica por un entendido!

el panel de gesso


Como fondo nos sirve un tablero contrachapado de madera, también se puede utilizar un lienzo de lino. Para empezar resulta más fácil utilizar la madera. Se lija, se aplica una mano de cola de conejo (relación 100grs por litro de agua) sobre la madera o el lienzo previamente calentada. En una cacerola vieja y a fuego lento se prepara el gesso: sobre una tercera parte de cola de conejo (disuelta en relación 100grs/litro) se añade poquito a poco otro tercio de tiza* molida muy fina y un último tercio de pigmento blanco (blanco litopon o blanco de titanio) se mueve la mezcla sobre el fuego con una cuchara de madera, machacando todos los grumos, si se queda muy espeso se hecha un poco más de agua. Cuidado: ¡la mezcla debe de estar caliente pero nunca hervir! Hay que aplicar varias manos finas, lijando suavemente entre capa y capa.
*La tiza consiste en yeso apagado molido. Por eso se llama "gesso" que significa yeso en italiano.

la preparación del fondo

Básicamente consiste en la aplicación de varias veladuras, que son capas de pintura transparentes. Las veladuras se preparan con pintura al óleo mezclada con medium. Entre veladura y veladura se suben los blancos utilizando para tal fin el temple al huevo.

las herramientas necesarias:

• 1 huevo fresco
• un cristal o un espejo
• una espátula
• barniz dammar
• aceite de linaza
• esencia de trementina
• trementina evaporada o veneciana
• pigmento en polvo (bioxido de titanio)
• tinta china negra, líquida o en barritas
• 1 lápiz del nº ¡B!

 técnica mixta pintura antigua
• 1 pluma de caña (se hace a mano de un trozo de caña de unos 8 mm. de espesor y 20 a 25 cm. de longitud).
• pinceles y óleos (se especificará en cada paso lo necesario)

el dibujo:

Toda pintura empieza con el dibujo.

Podemos traspasar un dibujo sobre papel en tamaño real mediante papel de carbón o dibujar directamente sobre nuestro panel de gesso con un lápiz suave del nº B o carboncillo. Nunca deben emplearse lápices duros (H) porque pueden quedar grabados en la superficie y hacernos imposible las veladuras. Hay que trabajar con la mínima presión del lápiz para que no manche demasiado la imprimatura.


 temple al huevo

la pluma de caña:

Con un cuchillo muy bien afilado o un bisturí tallamos la punta de una pluma en nuestro trocito de caña fina como se ve en el dibujo a lado. A 12 mm. de la punta taladramos un pequeño boquetito con un taladro de puntilla y abrimos una grieta desde el centro de la punta hasta dicho boquetito.
Es conveniente fabricar cada vez una pluma nueva de una caña verde, pero yo me he acostumbrado de trabajar con una pluma seca y la reutilizo un montón de veces.
Con ayuda de nuestra pluma de caña trazamos las líneas más importantes del dibujo y las sombras más oscuras. Se utiliza la tinta china, si es tinta china de verdad no se disuelve con el óleo ni con el temple al huevo.

 técnicas antiguas de pintura
La pluma necesita práctica porque no se debe hacer presión alguna sobre la superficie a dibujar. Cuando la tinta está bien seca seguimos con

la imprimatura: (o veladura roja)

Preparamos el medium, mezclando mitad de aceite de linaza con otra mitad de barniz dammar.

De las tres variantes de preparaciones de fondo que conocían los viejos maestros he elegido la de las veladuras en colores primarios. Es la mejor para el retrato y la figura humana al producir este tono de carne que tanto admiramos en los cuadros antiguos.

Buscamos uno o dos tonos de óleo rojo. Ideal es el rojo de cadmio o un rojo indio.

 pintar con óleo
En el ejemplo he utilizado alizarina crimson para las zonas más oscuras y rojo de cadmio para el fondo. Las veladuras se dan con un pincel tipo lengua de gato o una brocha de pelo muy suave del nº 24 para arriba. Hay que utilizar poco del medium, un 25% como mucho. La transparencia se consigue peinando bien con la brocha extendiendo así la pintura que nunca debe estar demasiado líquida. Dejar de secar al tacto.

el primer rebaje- o la primera subida de blancos

Según las posibilidades que nos da nuestro fondo decidimos si utilizamos el rascador para rebajar o el temple al huevo para subir los blancos.

Como rascador sirve un cuchillo o un bisturí con una punta ligeramente redondeada pero bien afilada. Con poca presión se dibuja con el lateral de la punta, rascando la superficie y dejar el blanco del gesso descubierto.
¡Cuidado!
al subir o bajar blancos nunca se deben trazar los contornos, más bien es un modelar: se marcan las luces y se dejan libre las sombras.

 veladuras medium
la preparación del temple al huevo

Con un pincho ancho se abre un boquete en cada lado de un huevo fresco y se vacía a un frasco de cristal con tapón de rosca. En continuación se rellena la cáscara del huevo con el medium por uno de los boquetes, tapando el otro con un dedo. Cuando el huevo esta relleno de medium, se vacía al frasco (tamien hay otros métodos para garantizar que el medium y el huevo tengan la misma relación). Se añade una cuchara de agua. Ahora hay que agitar muy bien la mezcla, y nuestra base para el temple está lista. La ponemos en el frigorífico donde aguantará un año.

Sobre un espejo o un trozo de cristal vertemos un poco de dióxido de titanio y en continuación la misma cantidad de la base de temple y con una espátula fina mezclamos todo muy bien hasta que no queda grumo alguno. El temple al huevo está listo cuando tiene la consistencia del yogur. Con la espátula lo metemos en un pequeño frasco con rosca y añadimos dos gotas de agua sin mezclar. Hay que guardar el temple siempre en la nevera, porque a temperatura ambiente no dura ni un día.

Para subir los blancos con temple al huevo se utilizan pinceles de pelo de marta roja.
• redondo del nº 8 al 10
• plano del nº 2
• plano del nº 6 y 10 para difuminar.

la segunda veladura: (amarilla)

Cuando temple y óleo están bien secos, lo que puede tardar varios días, seguiremos con la segunda veladura en color primario.
Utilizamos un amarillo luminoso como limón de cadmio y lo mezclamos con muy poco de blanco. Preferentemente blanco de cinc. Aplicamos una veladura uniforme por todo el cuadro.
Ahora las zonas blancas se ven amarillas y las zonas rojas se convierten en naranjas.
Echamos un vistazo fresco sobre el cuadro para ver lo que se puede mejorar, corregir o cambiar.
Esperamos 12 a 24 horas para

la segunda subida de blancos:

Sobre la veladura húmeda empleamos nuestro temple al huevo para la segunda subida de blancos. Ponemos un poco sobre la paleta, justo lo que vamos a gastar dentro de 3 horas para que no se seque. El resto volvemos a guardar en la nevera, si lo mantenemos siempre frío dura una o dos semanas y nos da para terminar el cuadro.
Es importante tener en mente que la segunda subida de blancos no es pura repetición de la primera. Más bien nos da la posibilidad de mejorar y corregir. Incluso podemos cambiar totalmente algunos detalles.
En el ejemplo he cambiado la posición del pendiente.
Cuando temple y óleo están bien seco, aplicamos

la tercera veladura: (azul)

Las veladuras a veces tardan mucho en secar y para no ceder a la tentación de tocarlo antes de su tiempo es buen truco trabajar en varios cuadros a la vez.
Segun el efecto que queremos conseguir buscamos uno o dos azules. El azul cerúleo nos da buena base para un cielo luminoso. El azul de prusia es ideal para las sombras muy oscuras o para dar un efecto nocturno. La veladura azul no se da uniformemente cómo la amarilla, sino más opaco en las zonas oscuras y las sombras y muy lijeramente en las zonas luminosas o claras.
Al día siguente y sobre la veladura aún húmeda aplicamos

la tercera subida de blancos:

Otra vez nos permite corregir y mejorar. Ahora tenemos que intentar que todos los detalles del cuadro estén en su sitio y los claros y oscuros tengan los valores deseados.
Cuando terminamos nuestra preparación de fondo vemos el cuadro en lo que se llama "grises ópticos": a la primera vista nos puede parecer una pintura en blanco y negro sin embargo se ven todos los colores del arco iris trasluciéndose uno a otro.
¡Nuestro fondo está ahora preparado - empecemos a pintar!

veladuras en color real

Esperemos a que seque bien el fondo preparado. Despues mezclamos los colores en la paleta y las aplicamos en veladuras finas. A las sombras que traslucen por las veladuras les aumentamos la intensidad con un poquito de sombra natural, pardo Van Dyke o otro pigmento de tierra oscura. Hay que evitar el uso del negro para que no borre el efecto de los grises ópticos.


ultimas subidas de blancos
Cuando las veladuras de color real esten mediadamente secas, aumentamos otra vez la intensidad de las luces con nuestro temple al huevo. Los viejos maestros recomendaban una media de seis subidas de blancos en un cuadro. Así seguimos progresivamente con veladuras de óleo y blancos de temple al huevo.
Cuando el resultado nos parece lo suficientemente satisfactorio empezamos a utilizar

la pintura medio opaca

La foto me ha salido algo borrosa pero es la única que tengo de este penultimo paso. Gran parte del cuadro estará terminado tal qual lo hemos dejado mediante las veladuras. En otras partes, donde necesitamos colores y blancos muy puros trabajamos con óleos mas densos sin diluir o con un poquito de trementina veneciana o evaporada. Para difuminar los contornos utilizamos un pincel seco de pelo de marta o sintético, con forma de lengua del nº 6.
Si lo vemos oportuno intensificamos las luces más claros con temple al huevo.
últimas veladuras

Cuando todo esta seco al tacto, podemos dar algunos efectos con veladuras:
En el ejemplo dí una veladura azul al fondo para dar el efecto de más lejanía.
Por toda la cara de la niña dí una veladura blanca-rosácia para endulcecer el tono y suavizar las sombras.

Antes de terminar hay que asegurar que todo el temple al huevo queda cubierto de veladura o medium, porque si no se cubre, se amarillenta en contacto con el aire.

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